诗人艾青之子，他笔下的西藏女孩震撼人心
艾轩的人物，每一个细节都像在传递着自己的呼吸—思索和心灵的律动。
忧郁的眼神，荒凉的背景，简单的构图都看的见生命的厚重和力量，以及对生命的尊重。
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大诗人艾青，其实是个冷血老爸
谈起艾青，
大家想起可能是那首《我爱这土地》
为什么我的眼里常含泪水？
因为我对这土地爱得深沉…
但是对于自己的儿子，艾青却没有那么喜爱，
儿子要喝牛奶，父亲当面摔杯，谁能料到，
一个对自己的国家和民族充满无限深情的诗人，
却对自己的孩子却冷漠无情？
父亲把儿子当做感情失败经历的一座“标志性建筑”，
而儿子干脆称自己是父亲避孕失败的意外产物。
艾轩和艾青只生活了七八年，
后来就没有再多来往。
艾轩说：他们觉得我是个多余的孩子。
我上头有姐姐和哥哥，他们已经够受累的了。
我出生时正值解放战争，共产党和国民党在拉锯战，
1949年初，我父母跟着各自的单位先走了，
是部队的保育院把我从河北深县小李庄带进北京。
进城以后，渐渐长大。
从小就住校，住幼儿园，住学校。
我对幼儿园的生活感觉特别好，比在家里好多了。
1954年艾青与韦嫈（yīng）离婚，
艾轩就跟着父亲，后来父亲又娶了高瑛
可是他们老是打架，艾轩的日子就更不好过了。
很难想象艾青怎么半夜“哐哐哐”北屋就打起来了。
屋里灯都黑了，有人喊救命，
跑进去一看，头破血流的。
他俩好的时候特别好，打的时候又特别狠。
这种状态下，艾轩的日子过得很恐怖。
在“文革”时期艾青是全国的右派，也就是反革命分子。
从小耳边就听见别人老在议论，艾轩知道“艾青”是不太好的一个词儿。
2写的诗不敢给父亲看，父亲看到他的画却就哭了
艾轩和他的父亲艾青一样喜欢诗，
平时也写诗，但是比较晦涩，写给自己看的，
艾轩说：我的诗不敢给父亲看，也没有这样的机会，
我跟我父亲，从小到大没有深谈过一次。
但我想，他其实有很多话要跟我谈。
因为他看了我的画，应该知道，
儿子画成这样，比他当年在法国画得好多了。
后来艾轩在美国做展览，
展览后出的画册艾青也看了，
还留着，看着画册他还哭。
艾轩说：他还找来认识我的人递话儿，让我去看他。
他对我后来有些认识。小时候对我不好，很愧疚。
但我始终没有机会与他交流。
他也是一样。否则他为什么哭呢。
他一看这个孩子出息了，怎么画出这样的画来，
这些画里边蕴含着什么东西，他应该是很想知道的。
3我画里的颜色是不遵循法度的
艾轩从小就开始接触艺术，
1963 年考到中央美术学院附中，
文革的开始，中断了艾轩继续深造的机会，
他来到西藏的一个农场服役，
1973 年开始转到成都做驻军画家，
当时艾轩奉命去画红军长征的路线，一共去了二十几趟，
在这个过程中与当地的山川、百姓结下了深厚的感情，
他被一种绝对的苍凉、绝对的艰难和绝对的顽强所震撼。
在强大的自然面前，人非常脆弱。
尤其是那些女孩儿，因为自然环境太恶劣，
她们美好的那一面极其短暂，
比城市里的人保持稚嫩和青春要困难得多。
不断的曝晒，暴风雪一来“哐”地打在脸上。
所以，画里的人物难免有些无奈、孤独，
充满了对未来不可知，对命运不可判断的哀愁。
这样画画的时候不能按照苏派的冷暖关系排列，
比如脸上的蓝色、冷光，可能是情绪化的。
然后你再往里面深入。
深入的过程就不好用言语表达了。
可是观众想听的，就是“你怎么深入的呀”？
有的人说，“我深入不了”，或者“我一深入就脏”，
或者说：“我一画蓝色就突兀了，不协调”，
这就看个人的修炼程度。需要长期的、坚持不懈的探索。
4痴守藏域风情三十年
艾轩每年都要到四川的藏区充电，
那里还有原汁原味的淳朴的藏风，
他要到那里去寻找他的故事，他的感觉。
有时，他并不画什么，
整天地坐在高原的荒野里，
去体味人与自然的关系和心态，
无奈而孤独的心态和感受，
他把自己也融入了那雪域的高原，
融入了藏民的灵魂。
他的画不是简单地对西藏生活和风情的描述和再现，
而是表达他个人的感觉和对川藏地区人民命运的感受，人与自然的关系。
他的画，让看画的人心里都咯噔一下，
然后是发自肺腑的感动和喜欢，
而无论观画的人是否是懂画的人，
因为他的画深入了人的灵魂深处，
而人的心灵是相通的，对美的感受是一致的。
在不可一世的寂寂荒原的雪地和青藏高原的灼灼阳光下，
或站或卧或坐着艾轩的藏区人物，
其中那副被冯小刚以2072万拍下的素描版《圣山》，
更能让人感觉生命微如蚂蚁，敬畏之情不加掩饰地倾泻而出。
艾轩的画面上，人物坚如磐石，
一点没有微小的感觉，
映着蓝色天光的女孩脸庞，
乱发随寒风飘舞，紫中带灰，
亚绿色的藏袍包裹着那年轻的生命，
藏民族所特有的那种，
对他们世代所居住的高原之坚毅的神采，
对逝去的追求和对未来的怀想，
都从那女孩子的大大的，没有任何虚饰和矫情的眼睛里。
5中国油画还不如中国足球，未来的路还很长
在艾轩看来，
写实油画的发展分为三个阶段。
第一个阶段是“法派”，
即徐悲鸿、李铁夫、颜文梁那一代人。
他们正好赶上当时的立体主义等风潮，
但是西方艺术的精神他们都没学会。
回到国内以后，由于中国的色彩有自己的一套，
所以他们的油画越画越土。没有冷暖，没有颜色。
建国以后，
很多人俄罗斯去学油画。
他们大概把苏联基本的内功学到手了，
但高级的创作技巧，
比如列宾、谢诺夫的手法还是没学着。
回到国内画的油画又成土油画了。
这批人以罗工柳为代表，
他们画的油画，代表写实油画的第二代。
在色彩方面把中国油画向前推进了一步，
但在造型上好的东西没拿回来。
现在就是第三代人。
第三代人是最“凶恶”的。
这一代人都是学院训练出来的，
受过苏派的熏陶，学的是契斯恰科夫教学体系，
同时又采纳了世界各国优秀艺术品的影响。
像刘小东画的《白胖子》、《烧耗子》，
何多苓最开始画的《春风已经苏醒》和《青春》。
这些人都是百花齐放，很丰富。
单从写实的角度来说，也比前辈们在整体上要厉害得多。
人是复杂的多面体，美也具有多样性，
画风与画家的性格和世界观并非完全一致。
就我个人而言，我始终喜欢一种感觉――忧郁。
我甚至陶醉在一种忧郁的情怀中。
也许有天会影响我乐观的面对生活，但是我相信人性的美好。
中国画家还根本“够不着”技术含量极高的西方大师，
我们的感悟、基本功能力、技巧，都是中国画家不了解的。
太难了。所以中国画家想画好油画，还有很长的一段路要走。”
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